L'impact de la Joconde

Par Mohamed Ismail Abdalla – Artiste visuel, Alexandrie, Égypte – Juillet 2022
Instagram : @m_ismail_abdalla

Passer du temps devant une œuvre d'art unique offre au spectateur l'occasion de nouer un lien profond avec elle. Ce lien se développe progressivement, tant sur le plan intellectuel qu'émotionnel ; une contemplation sincère ouvre la voie à la résonance émotionnelle, à l'exploration, à la découverte, à la connaissance et à l'éveil. Le spectateur peut se retrouver fasciné par une œuvre jusqu'alors négligée. Cet acte de réflexion peut même le pousser à explorer des horizons d'interprétation plus larges et à explorer les facettes visibles et cachées de l'œuvre.

Tout au long de ce parcours, certains artistes et étudiants en beaux-arts sont amenés à recréer des œuvres d’art classiques comme moyen d’acquérir des connaissances, de perfectionner leurs compétences techniques et de découvrir les secrets de la lumière et de l’ombre exprimés à travers les dégradés de couleurs fluides sur les visages et les paysages lumineux des peintres classiques légendaires.

Parfois, recréer un tableau classique est motivé par des motivations personnelles : aventure artistique, étude analytique ou pur plaisir. C'est peut-être l'une de ces pensées qui a occupé l'esprit de l'artiste Louis Béroud le 22 août 1911, alors qu'il se rendait au Louvre pour réaliser une esquisse préparatoire de La Joconde. Il fut frappé de déception en découvrant le mur où le tableau était accroché complètement nu. Son insistance à vouloir savoir ce qui s'était passé a conduit à la découverte choquante du vol de la Joconde.

Les autorités françaises réagirent promptement. Le musée fut fermé, tout le personnel interrogé et les frontières fermées, de crainte que le tableau ne soit exporté clandestinement. Même Pablo Picasso et son ami poète Guillaume Apollinaire furent interrogés sur la base d'une information de l'ancien secrétaire d'Apollinaire.

À l'époque, Picasso était un artiste prometteur de trente ans qui avait déjà achevé son œuvre révolutionnaire, Les Demoiselles d'Avignon , qui ouvrit la voie au cubisme. Pourtant, malgré sa renommée grandissante, lui et Apollinaire furent convoqués et finalement lavés de tout soupçon.

Pablo Picasso

Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Il ne fait aucun doute qu'à cette époque, la Joconde avait déjà acquis une certaine notoriété dans les cercles artistiques. Mais le vol de 1911 marqua un tournant dans son histoire, la propulsant au rang de monument mondial. Un véritable bourdonnement médiatique s'ensuivit, les journaux s'empressant d'identifier le voleur et de révéler les détails, plaçant la Joconde sous les projecteurs. Des foules de visiteurs, dont Franz Kafka, se pressèrent au Louvre après sa réouverture, déposant des bouquets de fleurs sous le mur vacant où la Joconde avait été accrochée.

Les recherches durèrent deux ans, en vain, jusqu'à l'arrestation de Vincenzo Peruggia à Florence après avoir tenté de vendre le tableau. Lors de son procès, il affirma l'avoir volé par devoir patriotique : restituer des œuvres d'art italiennes volées par les Français pendant les guerres napoléoniennes (1803-1815). Ce qu'il ignorait, c'est que la Joconde était entrée légalement en France, apportée par Léonard de Vinci lui-même.

Ironiquement, l'acte de Peruggia a involontairement fait de la Joconde le tableau le plus célèbre du monde. Pourtant, ses déclarations montrent clairement qu'il n'avait guère conscience de la valeur historique et artistique du tableau. Son choix de la Joconde semblait arbitraire : c'était simplement le plus petit des tableaux italiens exposés, ce qui permettait de la dissimuler plus facilement sous son manteau et de passer inaperçu.

Vincenzo Peruggia

Il serait cependant injuste d'attribuer le statut légendaire de la Joconde au seul crime de Peruggia. La valeur du tableau dans l'histoire de l'art ne saurait se réduire à un simple vol.

Pour le spectateur moderne, la Joconde peut paraître plutôt simple, manquant peut-être du flair et du caractère dramatique que l'on retrouve dans de nombreuses autres œuvres célèbres. Pourtant, selon les critères de la Renaissance, c'était un chef-d'œuvre révolutionnaire, d'une habileté et d'un génie inégalés. Elle a profondément marqué les contemporains de Léonard, devenant un modèle pour la peinture de portrait.

Par la suite, la Joconde était imprégnée de mystère et de charme, suscitant d'innombrables théories, mythes et spéculations. Son visage serein, baigné d'ombre et de lumière, nous fixant d'un regard perplexe, continue de susciter des interprétations. Malgré le débat permanent sur sa véritable identité, la plupart des pistes mènent à Lisa Gherardini.

Léonard commença à peindre Lisa Gherardini en 1503, à la demande de son mari Francesco del Giocondo, un riche marchand de soie florentin. Et c'est ici que commence la première énigme. À cette époque, Léonard avait 51 ans, jouissait d'une grande renommée et recevait des commandes de la noblesse. Pourquoi un maître de son envergure accepterait-il une commande aussi modeste, surtout après avoir peint La Vierge aux rochers et La Cène ?

L'explication la plus logique, selon les chercheurs, est que Francesco avait des liens avec le père de Léonard, Piero da Vinci, qui a probablement servi de médiateur pour la commande. De plus, la commande est arrivée peu après le retour de Léonard de Milan à Florence, ce qui suggère qu'il avait peut-être besoin de revenus à ce moment-là. Pourtant, il semble y avoir une raison cachée à l'origine de la décision de Léonard, une raison que nous ne découvrirons peut-être jamais vraiment.

Léonard appliqua patiemment sa technique magistrale au panneau de bois en utilisant le sfumato , une méthode dont il était le pionnier. Cette technique consistait à mélanger des couches de peinture translucides pour créer des dégradés d'ombres et de lumières homogènes, éliminant ainsi tout coup de pinceau visible. Le résultat fut un visage rendu avec un réalisme saisissant.

Léonard a également introduit une nouveauté dans l'art du portrait : le sentiment que le sujet est conscient du spectateur. Auparavant, les femmes sur les portraits semblaient inconscientes d'être observées. Elles manquaient du regard assuré typiquement réservé aux figures masculines de l'époque. Mais Mona Lisa rompt avec ce schéma. Elle sait que nous l'observons. Elle affronte notre regard avec une assurance subtile, affirmant une conscience de soi rare chez les femmes de l'art de la Renaissance.

La Joconde

Les portraits de l'époque représentaient souvent des personnages à l'expression sévère et fière, drapés de vêtements luxueux et de bijoux affichant richesse et statut social. La Joconde porte une robe sombre et sobre, dénuée de tout ornement, bien qu'elle soit l'épouse d'un riche marchand. Ce contraste visuel nous invite à nous concentrer sur ce qu'elle possède réellement : son sourire captivant.

Peut-être Lisa Gherardini avait-elle véritablement un sourire qui enchantait Léonard, un sourire qui hantait ses rêves et son imagination, réapparaissant dans nombre de ses œuvres ultérieures. Ce sourire, surnommé le « sourire léonardesque », était révolutionnaire. Pour le créer, Léonard s'appuya sur sa profonde connaissance de l'anatomie, son sens aigu de l'observation et son talent artistique inégalé. Il y mit toute sa passion, nous offrant un sourire qui continue de susciter des émotions : déroutant, enchanteur et profondément émouvant.

Compte tenu du caractère unique de la Joconde et de son influence durable sur cinq siècles, nous en arrivons à une vérité essentielle : Léonard de Vinci a créé une œuvre pionnière et radicale pour son époque, établissant une référence pour l'art du portrait, suivie par des générations de peintres. C'est, à mon avis, ce qui cimente véritablement sa place dans le monde de l'art, bien au-delà des mythes et des controverses.

Il n'existe aucune trace définitive du temps consacré par Léonard à la peinture de la Joconde. Certains estiment qu'il lui fallut quatre ans ; d'autres ne sont pas d'accord. Ce que l'on sait, c'est qu'il ne remit jamais le portrait à François et à la Joconde. Il le garda avec lui, l'emportant même en France à l'invitation du roi François Ier. Après la mort de Léonard en 1519, le roi acquit le tableau, comme convenu. De là, il voyagea du château de Fontainebleau à Versailles, puis, après la Révolution française (1789-1799), il trouva refuge au Louvre.

Les grandes œuvres d'art sont intrinsèquement mystérieuses. Elles recèlent des significations profondes, souvent cachées, qui se révèlent lentement, voire jamais, à travers la perspicacité et l'émotion. Elles n'offrent pas de réponses faciles, mais nous invitent à y projeter nos pensées et nos sentiments, leur insufflant une nouvelle vie chez chaque spectateur. C'est précisément ce qu'a fait la Joconde : susciter amour, admiration, curiosité et satire.

Des artistes comme Raphaël, Marcel Duchamp, Andy Warhol et Fernando Botero l'ont réinterprétée. Elle a également suscité haine et vandalisme : lapidée en 1956, recouverte de peinture en 1974, aspergée de café en 2009. Plus récemment, le 29 mai 2022, un homme déguisé en femme âgée en fauteuil roulant a jeté un gâteau sur le tableau. La vitre protectrice était maculée de crème, mais derrière elle, la Joconde souriait, sereine, rayonnante comme toujours, à notre regard.

Notes sur les images :

1. Image de titre : Mona Lisa, de Léonard de Vinci, de C2RMF retouchée.
2. Les Demoiselles d'Avignon, Pablo Picasso, 1907, huile sur toile, 244 x 234 cm ; sans doute la première peinture cubiste.
3. Picasso devant son tableau L'Aficionado (Kunstmuseum Basel) à la Villa les Clochettes, été 1912.
4. Photo d'identité judiciaire de Vincenzo Peruggia, soupçonné d'avoir volé la Joconde en 1911